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オペラ「カラ兄」の評判(その1)

 世界初演オペラ「カラマーゾフの兄弟」の評判はどんなものか。とても気になるが、遠く離れた日本までは、なかなか伝わってこない。でも、ようやくサンクトペテルブルクの英字紙(『The St. Petersburg Times』)のものが見つかったので、拙訳で紹介する。

グルーシェニカとドミートリー
写真は、『The St. Petersburg Times』より
グルーシェニカ役のクリスチーナ・カプスチンスカヤ(左)とドミートリー役のアヴグスト・アモノフ(右)  二人は愛のデュエット「テイク・ミー・アウェイ」を歌う

厳しい兄弟(*)
カラマーゾフの兄弟に基づくマリインスキー劇場の新作オペラ
アン・ウォーラー著
『The St. Petersburg Times』への特別寄稿

 先週マリインスキー劇場で公演されたオペラ「カラマーゾフの兄弟」は世界初演という触れ込みだった。このオペラは、劇場からの委嘱によりサンクトペテルブルクの作曲家アレクサンドル・スメルコフが作曲し、マリインスキーで4作品を自らの名で演出したことのある、有望なワシリー・ワルハートフが演出した。栄えある劇場の30年ぶりの新作オペラとして、白夜の星音楽祭で発表された。

 ドストエフスキーの最後の小説「カラマーゾフの兄弟」(1880)は、これまでに2回オペラ上演されたことがある。1つはオタカル・イェレミアーシュとヤロスラフ・イェレミアーシュによる1927年プラハ初演版、もう1つはアレクサンドル・ホールミノフによる1981年レニングラード(ムソログスキー記念オペラ・バレー劇場)初演版である。

 スメルコフとオペラ劇作家ユーリー・ディミトリンは、ドストエフスキーの有名な小説の21世紀の現代における意味を明らかにし、それをマリインスキーの堂々とした舞台に鳴り響かせるという芸術的な挑戦を行なった。

 叙事詩的な小説は、3人の兄弟が、父親の死について共犯となった背景とその結果について述べる。「カラマーゾフの兄弟」の感情的な激しさは、まさにオペラというジャンルに適している。小説の激しい愛の争いや最後の法廷の場など、法廷のシーンではカテリーナ・イヴァーノヴナが突然切れて、ドミートリー・カラマーゾフの父殺しを告発する、こういったシーンは舞台では新鮮な色彩で再現される。

 しかし、ラブストーリーのオペラの可能性についてのスメルコフの明らかな楽しみは、霊的な騒動と19世紀のロシアの危機についての鋭い理解と確かな描写により和らげられている。また、ディミトリンの台本は、ドストエフスキーの重要な哲学的な思想を、簡潔かつ賢明に選択し伝える。ドストエフスキー文学専門家のイーゴリ・ボルギンが、俳優たちについて助言した。これは、ディレクターが、演出の派手さにより小説のメッセージが失われてはならないと考えてのことである。

 スメルコフは19世紀末から20世紀初めのロシアのオペラ音楽への感動を指向しているので、彼の作品はマリインスキーの伝統的なレパートリーと比べてもそれほど違和感のないものとなっている。それぞれの場面に応じたムードを醸し出すために、プロコフィエフ、ムソルグスキー、チャイコフスキー、およびショスタコーヴィッチといった多彩な感情的なトーンが喚起される。また、ドイツ人作曲家の普遍的人類愛についての音楽表現、ベートーヴェンの交響曲第九も、さりげなく使われている。

 有能なボーカリストの中でも、2人の女性ソリストは際立っている。エレーナ・ネベラの上品な声は彼女の性格と合い、魅惑的なカテリーナ・イヴァノヴナに適している。グルーシェニカ役のクリスチーナ・カプスチンスクカヤ、ドミートリー・カラマーゾフ役のアヴグスト・アモノフの二人は、強力で心に残るデュエット、「テイク・ミー・アウェイ」を歌う。

 スコアのなかで最も成功しているのは、皮肉な重唱のところである。 例えば、ドミートリーが(父親をさして)「きっと奴を殺してやる!奴を殺してやる!」と歌うのと同時に、女性の巡礼者が「私は人々を愛するので、看護婦になりたい」と歌う。オリジナルの登場人物は、イワンの困惑した良心を擬人化した機智に富んだ悪魔である。ライトモチーフをあてこするピアノ、トランペット、およびマンドリンに合わせて、この悪魔がでたらめな歌を歌い、イワン自身の考えである有名なスローガン「神が存在しなければ、すべてが許される」と歌う。この言葉は、父親の殺人に責任があるというイワンの恐れをますますつのるものである。

 もう一つ成功しているのは、アリョーシャの夢からの場面での印象派の音楽である。 アリョーシャは責任について熟考し、彼の考えにこたえ、主な登場人物たちが鐘のメロディに合わせて聖歌の八重唱を歌う。

 オペラの25場は簡潔だが強力であり、ドストエフスキーの最も考えさせられる思想を圧縮した結果である。速い動きの進行により、作品が内省的になりすぎないようにしている。

 時間と空間を超えてひろがる物語の筋を織りまぜた叙事詩的な小説をどのように舞台にするかという問題は、美術監督のジノヴィ・マーゴリンに巧妙な解決策を求めた。舞台上には19世紀の住宅がどかんと建つが、建物の各面はそれぞれ異なる登場人物の生活の場につながっていて、場面のすばやい展開のために回転する。また大審問官のシーンでは、舞台は一転して中世の中庭になる。

 ドストエフスキーの作品ではやや典型的なように、19世紀の暗黒を反映して、俳優たちは冴えない色の服を着ているが、創造的な照明によって幅広いムードを演出する。

 スメルコフ版は、小説の宗教的な次元を特に強調している。小説の中で最も有名で、おそらく予言的な章である中世の大審問官の伝説には4つの場があてられた。そこでは、キリストは地上に復活したとされ、無神論的社会主義を支持したとして斥けられる。

 ラストシーンでも、スメルコフは型破りの選択を行なった。質素な身なり、はげ頭の放浪者(キリストの象徴的なイメージ)が大審問官の額にキスして、大審問官は修道院のドアを閉ざす。その時、放浪者は、身をかがめ、涙するように見える。

 おそらく、大審問官の章へのスメルコフの特別の関心は、このオペラに次のようなメッセージを込めることだった。すなわち、ドストエフスキーの時代と同様に、現在も、ロシア人の精神がどこに行くのかが重要な問題であり、この国が再びイデオロギーの変遷の時代にあるということである。

(The St. Petersburg Times)


オタカル・イェレミアーシュ(1892-1962)
ヤロスラフ・イェレミアーシュ(1889-1916)
アレキサンドル・ホールミノフ(born 1925)

注:表題の"Brothers grim"は、映画"The Brothers Grimm"(「ブラザーズ・グリム」アメリカ 2005年 監督:テリー・ギリアム 主演:マット・デイモン)とgrim(厳しい、気味悪い)をかけているのか

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Brothers grim
A new opera at the Mariinsky Theater based on The Brothers Karamazov
By Anne Waller
Special to The St.Petersburg Times


For The St.Petersburg Times
Kristina Kapustinskaya as Grushenka (l) and Avgust Amonov as Dmitry (r) as they sing the love duet Take Me Away

The Brothers Karamazov opera, shown last week at the Mariinsky Theater, was billed as a world premiere.Written by St.Petersburg composer Alexander Smelkov at the theatre's request, and directed by up-and-coming Vasily Barkhatov who now has four Mariinsky productions to his name, it stood out in the Stars of the White Nights summer festival as the first new opera at the venerated theater in 30 years.

Dostoevsky's last novel (1880) had been staged as an opera twice; in Prague in 1927 by Otakar and Jaroslav Jeremias and in 1981 in Leningrad by Alexander Kholminov at the Mussorgsky Opera and Ballet Theater.

Smelkov and librettist Yury Dimitrin were faced with the artistic challenge of making the 21st century relevance of Dostoevsky's famous novel resound in the imposing setting of the Mariinsky.

The epic novel follows the background and consequences for three brothers who are each complicit in the death of their father and the emotional intensity of The Brothers Karamazov naturally lends itself to the genre of opera.The fierce love rivalries of the novel, and its final courtroom scene in which the character of Katerina Ivanovna bursts forth accusing Dmitry Karamazov of his father's murder, reappear in fresh color on the stage.

But Smelkov's clear enjoyment of the operatic potential of the love story is tempered by a clearly astute understanding and authentic portrayal of the spiritual turmoil and crisis of Russia in the 19th century, and Dimitrin's libretto concisely and judiciously selects and conveys Dostoevsky's key philosophical ideas.A Dostoevsky literature specialist, Igor Volgin, worked with the actors, which suggests the director did not want the messages of the novel to be lost in the glitz of the production.

Smelkov turns for inspiration to Russian opera music of the late 19th and early 20th centuries, so his production does not jar too much with the Mariinsky's traditional repertoire.The varied emotional tones of Prokofiev, Mussorgsky, Tchaikovsky and Shostakovich are evoked to bring out the mood of each scene.Beethoven's 9th Symphony, the German composer's musical representation of universal brotherhood, is also alluded to.

The two female soloists stand out as talented vocalists.Yelena Nebera's elegant voice suits her character, the beguiling Katerina Ivanovna.Kristina Kapustinskaya as Grushenka, and the outstanding Avgust Amonov as Dmitry Karamazov, sing "Take Me Away,"a powerful and haunting duet.

Some of the most successful moments in the musical score are ironic juxtapositions; for example, Dmitry sings "perhaps I'll kill him! I'll kill him!"(refering to his father) while a female pilgrim sings "I so love humanity, I want to become a nurse."An original character is the witty Devil who personifies Ivan's troubled conscience, singing spontaneous songs on the piano, trumpet and mandolin which satirize earlier leitmotifs and Ivan's own idea, the famous slogan "If there is no God, all is permitted,"which Ivan increasingly fears is to blame for his father's murder.

Another success is the impressionistic musical environment of a scene from Alyosha's dream.Alyosha ponders the question of responsibility, while the main characters echo his thoughts in an octet sacral chant to the melody of bells.

The opera's 25 scenes are brief but powerful and are the result of compressing Dostoevsky's most thought-provoking ideas.The fast-moving pace prevents the production from becoming overly introspective.

The problem of staging an epic novel with its interweaving plotlines spanning across time and space demanded a clever solution from set designer Zinovy Margolin.The stage is dominated by a 19th century house, each side associated with a different group of characters' lives, which revolves to move quickly between events.It opens out onto a medieval courtyard for the Grand Inquisitor scenes.

Somewhat typically for a Dostoevsky production, the actors wear drab and dull colors, reflecting nineteenth-century gloom, but creative lighting expresses a wide spectrum of moods.

Smelkov's version places particular emphasis on the religious dimension of the novel.Four scenes are devoted to the medieval legend of the Grand Inquisitor, the most famous and perhaps prophetic chapter of the book, where Christ allegedly returns to earth and is rejected in favor of atheist socialism.

In Smelkov's unconventional choice of final scene, the simply-clothed and bald Wanderer, a symbolic image of Christ, kisses the Inquisitor's forehead, the latter shuts the door of the monastery, and the Wanderer stoops down and seems to weep.

Perhaps Smelkov's particular interest in the Inquisitor chapter is what marks out this version of the opera with the message that the future spiritual direction of Russia is as relevant a question now as it was in Dostoevsky's era, and that the country is once again in a period of ideological transition.

(The St.Petersburg Times)
まいじょ * オペラ * 23:00 * comments(0) * trackbacks(0)

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